Murillo y Justino de Neve. El arte de la amistad.

 

La exposición fue inaugurada en junio de 2012 en el Museo del Prado en Madrid, donde estaba magníficamente situada en el edificio de los Jerónimos, en ese momento compartió panorama museístico con la exposición “El último Rafael”, por lo que el museo tuvo unas colas de visitantes que deben ser mencionadas, y que merecían completamente la pena.

 

Tras su finalización allí viajó a Sevilla, donde ha terminado recientemente el día 20 de enero, con unas estadísticas de visitantes muy positivas.

Ahora se traslada a la Dulwich Picture Gallery de Londres, donde estará expuesta hasta el 19 de Mayo.

Si no la habéis podido visitar todavía os recomiendo una escapadita para verla, ya que consigue transportarte al barroco pleno sevillano.

 

Bartolomé Esteban Murillo, “el pintor de los niños”, un pintor subordinado a la fe, quizás sea este aspecto de su vida lo que marcará su profunda amistad con Justino de Neve, un canónigo de la catedral de Sevilla, de origen humilde, que acercó al pintor sevillano a la decoración de iglesias como la de Santa María la Blanca, y que determinó obras como las destinadas al Hospital de los Venerables Sacerdotes.

La exposición recoge un conjunto de obras traídas principalmente de Londres, París, Houston, Madrid y Sevilla.

Esta exposición recrea el ambiente sevillano entre mediados y finales del siglo XVI, en pleno barroco sevillano.

 

Son muchas las facetas que conocemos de este pintor barroco, con ciertas pinceladas del rococó, pero estas obras relacionadas con Justino y el Hospital de los Venerables están especialmente realizadas con más cariño y amabilidad.

 

Murillo, un pintor claramente católico, apreciaba las obras en las que podía representar a la Virgen, como sus maravillosas Inmaculadas, pero hay que destacar la Inmaculada que pensó Justino para los Venerables, realizada hacia 1678, llamada “Inmaculada Concepción de los Venerables” o “Inmaculada ‘Soult’”

 

Personalmente, me gustaría destacar algunas de las obras que se encuentran en la exposición.

 

El autorretrato de Murillo (1673), maravilloso, muy sofisticado, y que parece enmarcar al artista dentro del propio cuadro, pero a la vez parece salir de él sacando la mano del marco.

El retrato que le realiza Murillo a su amigo Justino de Neve (1665), es una maravillosa representación de la amistad que se profesaban.

 

Haciendo alusión a su descripción más conocida, ‘el pintor de los niños’ en la exposición encontramos la obra “San Juan Bautista Niño” (1665), acompañado de un tierno corderito.

 

Son muchas las obras que podría seguir señalando, pero dos de las que más repercusión han creado han sido “El sueño del patricio” y “El patricio revelando su sueño al Papa Liberio” (1664 – 1665) este conjunto cuenta la fundación de Santa María Maggiore tras el sueño de  este patricio y su esposa, y que fueron encargados para la iglesia Santa María la Blanca.

¿Qué es lo grotesco en el arte?

Los orígenes del término ‘grotesco’ se remontan al descubrimiento de la Domus Aurea, en el siglo XV, bajo el suelo del foro romano.
Esta Domus palaciega perteneció en su tiempo de esplendor a Nerón y tuvo su apertura en forma de gruta, por lo que el término derivó: el arte de la grotta, gruta, grutesco, grotesco.

En sus paredes se encontró una decoración vegetal y animal, pero con la característica de que los animales eran híbridos. Este descubrimiento marcó un tipo de representación, de característica artística o incluso de visión estética: “lo Grotesco”

Pero bien, hoy en día, ¿qué es lo grotesco en el arte?. En mi visión particular del término, lo grotesco es lo deforme, lo feo, el espanto, la ambigüedad, lo imposible, lo imaginario, lo satírico, y por tanto, también la caricatura.

Todos recordamos esas caricaturas del barrio de Montmartre en las que nos representan dentudos, ojerosos, calvos, e incluso con la nariz regordeta o las orejas de soplillo, entonces, ¿por qué no puede ser grotesca una caricatura?

En efecto, para mí una caricatura también es plenamente grotesca, solo cabe observar algunas de las obras de Honoré Daumier, como Gargantúa.

Lo grotesco puede ser aquello que nos despierte curiosidad o incertidumbre, como es el caso de las figuras andróginas o ambiguas.
En la exposición “el Factor grotesco” en el Museo Picasso de Málaga tenemos un gran ejemplo, la barbuda de Peñaranda de Juan Sánchez Cotán en 1590. Esta nos traslada, inevitablemente para los amantes del arte, a la mujer barbuda de José de Ribera realizada en 1631.

También, ante lo incomprendido, o lo ‘despreciado’ puede surgirnos la calificación grotesca. Por este motivo, una obra cubista del maestro Picasso, o el propio Guernica, puede suponer una experiencia grotesca.

Como dijo el propio Picasso: “No, la pintura no está hecha para decorar las habitaciones. Es un instrumento de guerra ofensivo y defensivo contra el enemigo” por lo que se utilizó en numerosas ocasiones como propaganda política, como las representaciones del rey Louis-Philippe metamorfoseado en pera, realizadas por Charles Philipon o Daumier en el periódico francés Charivari.

Por ello pienso que aunque os cuente lo que significa el término grotesco, cada uno debe hacerse su propia idea de este tipo de representaciones, y acotar así su significado personalmente.

Los Reyes Magos, ¿siempre fueron tres?

Hoy en día cuando pensamos en los Reyes Magos todos tenemos una iconografía clara en mente: Melchor, Gaspar y Baltasar, y un aspecto más o menos definido de cada uno pero, ¿siempre fueron así? ¿Cuándo se configuró esta iconografía?

El primer desarrollo que se encuentra sobre la adoración de los Magos es la que encontramos en el evangelio de San Mateo, pero en este no se encuentran datos exactos sobre el número de personas que visita Herodes, ni el momento exacto de su llegada. Lo que si se concreta en ellos es el dato de los regalos que le ofrecen al pequeño: oro, incienso y mirra.

No se especifica el momento de la llegada de los Magos, unos historiadores la sitúan justo después del nacimiento del pequeño, y otros la posponen hasta dos años.

Sobre la procedencia de los Magos se ha divagado mucho, podían ser sacerdotes persas, astrólogos de Babilonia, e incluso provenir de Arabia.

En cuanto al nombre de estos, fueron denominados Reyes por primera vez por Tertuliano, quien intentaba dar dignidad a los visitantes, ya que la denominación de Magos tenía un sentido peyorativo.

El  nombre propio de cada uno se les atribuye tras el Evangelio Armenio de la Infancia, quien habla de tres hermanos que reinaban sobre los persas, los indios y los árabes.

Quizás lo más curioso sea la indeterminación de los visitantes. Durante años se representaron  de forma libre, tanto dos, tres o cuatro. Aunque finalmente se acepta el hecho de que fueran tres, posiblemente por los tres presentes que le ofrecen al niño.

También el tres es un número simbólico, que significa la Trinidad, las tres edades de la vida (juventud, madurez, ancianidad), los tres continentes conocidos. E incluso las tres etapas temporales: pasado, presente y futuro.

Como en esta imagen de la obra Adoración de los Magos (1501) de Vasco Fernandes en la que no se precisa si vemos cuatro Magos, o tres y San José sostiene la ofrenda.

En cuanto a las ofrendas son variadas las interpretaciones que se han hecho de ellas, pero las más extendidas son:

El oro que simboliza la realeza de Cristo.

El incienso que simboliza la divinidad del hijo de Dios.

La mirra simboliza la humanidad del niño y además aliviará los parásitos del intestino del pequeño.

Sobre el retorno de los Magos a su país o países de origen, también se ha divagado bastante. Una versión dice que regresaron a Oriente y fueron bautizados. Otra versión apunta que huyeron a la India y fueron martirizados. Todas las versiones coinciden en que regresaron por otro camino para burlar a Herodes, aunque la más comentada es que mientras dormían un ángel se les apareció y les indicó el camino a seguir para burlar a Herodes. [Gislebertus, El sueño de los Magos, capitel en la catedral de Autun. S. XII]

Uno de los detalles más variables sea, probablemente,  la representación de los Magos. Pudieron llegar a lomos de caballos o de camellos.

Los tres blancos, dos blancos y uno negro, uno imberbe, otro con barba blanca y el tercero con barba castaña.

Se representan en actitudes diversas: uno arrodillado, los tres oferentes o uno besando el pie del pequeño entre otras.

El cambio del gorro frigio a la corona, y posteriormente la corona de Baltasar por un turbante.

En resumen su vestimenta ha ido evolucionando con el propio mito.

Porque vendrán a ti los tesoros del mar, las riquezas de las naciones vendrán a ti... Todos ellos de Sabá viene portadores de oro e incienso...

Richard Deacon, Técnica mixta.

El centro de arte contemporáneo de Málaga presentó el viernes 14 de diciembre una gran exposición sobre el artista británico Richard Deacon.

Este magnífico escultor, docente y teórico del arte ha tenido una enorme relevancia en el panorama artístico de las últimas décadas, tras darse a conocer en los ochenta.

Como escultor, que es la faceta suya que nos atañe, concibe la escultura desde el material en el que está realizada. Para él la escultura, además de tener una función visual, tiene una función táctil.

En su histórico de obras encontramos una gran diversidad de materiales, desde barro, yeso, madera, latón, bronce, cerámica, entre otros muchos inimaginables.

Podemos observar en sus obras tanto un predominio de las líneas rectas como de las curvas, aunque bajo mi opinión son las ondulantes las que prefiere, ya que sus obras tienen un gran dinamismo.

Por mencionar alguna de las obras que residen en la exposición, mencionaré una que aunque es de las aparentemente más simples, me llamó mucho la atención.

Last Minute (2007), como bien nos explica el propio artista en su cartela, contiene plástico de desecho, observándola atentamente el día de la exposición aprecié que contenía incluso un tenedor de plástico roto.

Con esta apreciación podemos darnos cuenta de la importancia que para el artista tienen todo tipo de materiales que él pueda modificar y convertir en una escultura, por esto mismo él se denomina “fabricante” y no “artesano”.

Además en la exposición encontramos alguna de las obras de la serie Gap (2004) que nos recuerdan fluidos con una cierta inspiración oriental.

Por lo que ante los detalles tan magníficos de la exposición, con unas obras expuestas de una forma sencilla y un discurso expositivo muy bien organizado y pensado, recomendaría a todo aquel que aprecie el arte y en concreto la escultura abstracta, que se pase por el centro de arte contemporáneo a visitar la exposición.

Me parece una oportunidad única en Málaga para observar la producción escultórica de Richard Deacon.

Goya: cronista de una época

Hoy he visitado, antes de su clausura, la exposición de Francisco de Goya y Lucientes en Benalmádena (Málaga), "Goya cronista de una época".

La exposición ha acogido dos de sus grandes series, los caprichos y los desastres de la guerra, en series completas realizadas por Calcografía Nacional.

En total 160 obras de uno de los artistas cumbres de la historia del arte, que fue una de las grandes claves para el desarrollo del arte moderno, de una forma indispensable.

La exposición se encontraba en el centro de exposiciones, ocupando tres salas, una de ellas en cada planta.

En cuanto a la exposición estaba muy bien dividida, con un discurso expositivo muy bien pensado, en apartados tales como educación o matrimonio.

La única queja que habría que realizar en cuanto a la exposición es en relación a las cartelas. Las cartelas se notaba que eran de una medida estándar, sin ocupar el texto la dimensión de la cartela, por lo que quedaban muy vacías.

Además estaban colocadas de una forma muy torcida, al igual que los marcos que contenían los grabados.

Las cartelas no contenían, en mi opinión la información suficiente. Tan solo contenían nombre y el texto manuscrito del Museo del Prado. Por lo que para mí, faltaba una información tan básica como la fecha de ejecución.

Ante las obras que contenía la exposición no hay nada que disentir, ya que nos encontramos ante el gran maestro Francisco de Goya. Por reseñar una de las obras, que siempre consigue sobrecogerme, Madre Infeliz.

La sensación final de la exposición ha sido bastante buena, aunque con una información escasa.

Apertura

Inicio esta andadura con muchas ganas y mucha fuerza.

Inauguro este blog para poder expresarme sin “censura” alguna, sobre mi concepto de arte, y de todo aquello que vaya aconteciendo en el panorama artístico.

Para mi, los estudios de Historia del Arte son como un tronco, del que hay que ir sacando ramitas.
¿Cómo se sacan esas ramitas? Pues formándose mucho. Por ese motivo también voy a comentar cursos, seminarios, inauguraciones, exposiciones…etc Porque no hay otra forma de aprender y apreciar el arte que conociéndolo, y para eso hay que ver, leer y vivir mucho el arte.

Lo sé, el arte no es un mundo fácil, le conteste a mi padre cuando me preguntó que para qué quería esta carrera, pero es un mundo apasionante.

También intentaré ir “contestando” a esas preguntas universales: ¿qué es el arte?, ¿Esto es arte?, estas cuestiones que todos los amantes de lo artístico nos preguntamos.

Pues como decía Kandinsky: “el artista es la mano que (..) hace vibrar adecuadamente el alma humana”

Aunque bajo mi opinión, el arte no se merece una definición universal, sino que hay tantas definiciones como individuos existen.

Bueno todo esto es anticiparse un poco a lo que voy a ir desarrollando, dar las gracias de antemano a aquellos que hagan el esfuerzo de leerme.